JOURNAL

Die Basaltstelen, die Joseph Beuys aus einem erloschenen Vulkan in Nordhessen abtragen ließ, stehen für den Ursprung und die Evolution der Menschheit, deren Zukunft und Geschichte, zu der auch der bewusste Eingriff des Menschen in die Natur gehört. Beuys bohrte kegelförmige Formen aus dem Basalt und setzte sie, zu ‚Heilung‘ der Verletzung mit Filz und Ton ummantelt, zurück in die Löcher. Die Anordnung auf Paletten, Vierkanthölzern und einem Hubwagen, den er als Gerät des Weitertransports seiner Idee von Veränderung auffasste, suggeriert Bewegung.

Damit verweist Beuys auf den Menschen als handelndes Wesen, das in der Lage ist, jenen utopischen Ort zu erreichen, an dem die Erstarrung sich in lebendige Beziehungen auflöst, sich das Denken wieder mit der Natur versöhnt. Die Skulptur mag auf den ersten Blick wie ein dunkles Sinnzeichen des Fin de Siècle erscheinen. Doch sie richtet sich in ihrer aktionistischen Intention gegen jeden endzeitlich gestimmten Pessimismus.

[F. C. Flick Collection, Text: Ausstellungsheft/ Ausstellungsbeschreibung »moving is in every direction. Environments – Installationen – Narrative Räume«, Hamburger Bahnhof Berlin, 2017]

Ich spürte eine Weite, fast möchte ich sagen, ein transzendenter Blick ließ mich die Kamera halten. Viele traumartige Bilder, Metaphern kamen beim Betrachten der Landschaft hoch. [Siebrand Rehberg]

Siebrand Rehberg fotografierte in den 1970er Jahren, wie sein Lehrer Michael Schmidt, zunächst überwiegend in seinem Wohnbezirk Berlin-Kreuzberg. Im Gegensatz zu Schmidts damaligen Stadtlandschaften, bewegte er sich auf der Straße zwischen den Menschen und hielt diese einfühlsam in seinen Fotografien fest. Zwischendurch zog es den in Friesland Großgewordenen auch immer wieder aufs Land, nach der Wende insbesondere in die Mecklenburgische Schweiz. Rehbergs Vater stammte aus Teterow. So haben seine fotografischen Erkundungen auch stets etwas mit der Suche nach den Familienwurzeln zu tun.

Ein Jahrzehnt lang hat Rehberg die von der Eiszeit geformte Landschaft dokumentiert. Entstanden ist bei seinen fotografischen Streifzügen über die Jahre und durch die Jahreszeiten eine Liebeserklärung an die Mecklenburgische Schweiz. »Über allem liegt eine Stille und Ruhe, die sich wie ein Kokon ausbreitet. Und das suggeriert, was sonst nicht möglich scheint, eine Sinnsuche und Einkehr der anderen Art, die Hoffnung auf ein Ankommen im Jetzt frei nach den Versen der Schriftstellerin Ricarda Huch: ›Die blaue Blume ist aber das, was jeder sucht, ohne es selbst zu wissen, nenne man es Gott, Ewigkeit oder Liebe‹.« [Erik Steffen im Buch zur Ausstellung]

Rehberg zeigt menschenleere Landschaften, die nur von der Natur, nicht vom Menschen, geprägt sind. Fast vergisst man, dass es ja letztendlich doch ein Mensch sein musste, der hinter der Kamera auf den Auslöser drückte. Die eingefangenen poetischen Stimmungen erinnern an die romantischen Motive des englischen Malers William Turner (aber weniger abstrakt). Als Lichtquelle hat er oft das morgendliche oder abendliche Sonnen- und Gegenlicht gewählt.

Zusammen mit seinen wolkenverhangenen Bildern ergibt sich eine paradiesische Ideallandschaft, die sich bis zu einem in weiter Ferne erscheinenden Horizont erstreckt. Verstärkt wird dieser Eindruck durch die Aufnahmen am Malchiner See im Regen und bei Nebel. Die einzigartige, fast magische Atmosphäre, die Rehberg einfühlsam eingefangen hat, ist allein der Natur mit all ihren wundersamen Erscheinungen zu verdanken. Es brauchte keine dekorativen Arrangements, nur der fotografische Blick zählt.

Noch bis zum 6. Juni 2018 ist das Portfolio »Mecklenburgische Schweiz« im Rathaus der Bergringstadt Teterow am Marktplatz 1-3 in 17166 Teterow zu sehen. Das dazugehörige Buch ist in einer signierten und limitierten Auflage von 500 Exemplaren mit einem signierten Originalabzug (21×26 cm, nummeriert von 1 bis 500) im Buchhandel für 150 Euro erhältlich (exklusiv bei der Buchhandlung Steffen in Teterow für die Dauer der Ausstellung 80 Euro).

Siebrand Rehberg, geb. 1943 in Aurich, lebt seit fast 50 Jahren als freier Fotograf in Berlin-Kreuzberg. In den 1970er Jahren hat er als Pressefotograf für die großen Magazine gearbeitet. Danach hat er sich der Angewandten Fotografie zugewendet: Architektur, Interieur- und Stadtansichtsfotografie. Bekannt wurde er in den letzten Jahren durch seine Fotobücher ‚Signale des Aufbruchs“ (Nicolai Verlag) und „West-Berlin 1972–1977“ (ConferencePoint Verlag), die ihn als einen wichtigen Chronisten der Berliner Stadtentwicklung ausweisen. Siehe auch die Artikel Kreuzberg wie es einmal war … und Auf der Suche nach den verschwundenen Cibachromes.

Qin Yufen verbindet in ihrer poetischen Kunst Elemente der östlichen und westlichen Kultur. Materialität, Haptik und auch Spiritualität der verwendeten Gegenstände sind von zentraler Bedeutung für die raumgreifende Klanginstallation. Mit ihren transkulturellen Ansatz verwandelt Qin Yufen den Raum durch Klang und Geruch sowie durch den Antagonismus von Stacheldraht und Seide, von Baumaterialien und dem mit chinesischen Heilpflanzen eingefärbten Stoff. In der Installation „Making Paradise“, die das Alltägliche und Reale mit Bedeutung auflädt, transzendiert Qin Yufen die Vorstellung von Utopie und Dystopie. Ihre Kunst versteht sich als Kritik an den religiösen Konflikten, Kriegshandlungen und Gewaltaden unserer heutigen Welt.

[F. C. Flick Collection, Text: Ausstellungsheft »moving is in every direction. Environments – Installationen – Narrative Räume«, Hamburger Bahnhof Berlin, 2017]

Die auch in den Raum erweiterte »Décollage« wurde für Wolfs Vostell als Ausdruck eines »abgelösten, zerrissenen« Zeitalters zum umfassenden Schaffensprinzip. Der Künstler gehörte zu den Wegbereitern von Environment, Happening und Fluxus in Deutschland. In diesem Environment, das Vostell während des Vietnamkrieges schuf und das ursprünglich begehbar war, werden Krieg und Zerstörung, Medien, Konsum und Alltag durch Glasscherben, Fernseher, Alltags- Freizeit- und Kriegsobjekte und eine Bombe kontrastiert und verknüpft.

[F. C. Flick Collection, Text: Ausstellungsheft »moving is in every direction. Environments – Installationen – Narrative Räume», Hamburger Bahnhof Berlin, 2017]

Denn hinderlich wie überall, ist hier der eigene Todesfall

Urs Fischers Rauminstallation »Boffer Bix Kabinet«, hier ergänzt durch mehrere gerahmte Gouachen auf Papier, evoziert ein dunkles Wohnzimmer. Die Schatten der Möbel an der Wand entstammen entgegen der ersten Erwartung nicht primär dem Licht der Scheinwerfer, sondern entpuppen sich als »blutige« Malerei aus roter Marmelade. Die dunklen Möbelskulpturen sind gänzlich beschriftet. Ironisch-humorvolle Satzfragmente wie »Denn hinderlich wie überall ist hier der eigene Todesfall« verorten dieses »Interieur« in der klassischen Gattung des (Vanitas-) Stilllebens.

[F. C. Flick Collection, Text: Ausstellungsheft »moving is in every direction. Environments – Installationen – Narrative Räume«, Hamburger Bahnhof Berlin, 1917]

Neben Stephen Shore und William Egglelston gehört Joel Meyerrowitz zu den drei großen US-Amerikanischen Farb-Fotografen. Ihm ist zur Zeit die aktuelle Ausstellung unter dem Titel »Why Color?« bei C/O Berlin im Amerika-Haus gewidmet (bis  11. März 2018). Ein Bericht folgt. www.co-berlin.org

»Message to the Future« – Photographien von Danny Lyon bei C/O Berlin. Das wirksamste Element im Kunstwerk ist nicht selten das Schweigen

Seit den 1960er Jahren fotografiert der US-amerikanische Fotograf Danny Lyon, geboren 1942, soziale Außenseiter, Subkulturen und gesellschafts-politische Themen. Er möchte der üblichen Berichterstattung in den Massenmedien alternative Sichtweisen entgegenzustellen. Man könnte seine Arbeit als teilnehmende Dokumentation bezeichnen, indem er oft über eine längere Zeit eine Beziehung zu seinen Protagonisten aufbaut.

Und dazu gehört für Lyon selbstverständlich auch seine Familie. So wie wir es an der Werkstatt für Photographie in den 1970er Jahren gelernt haben, ist Danny Lyon als Autorenfotograf anzusehen. Noch stärker als in der Ausstellung „Message to the Future“ bei C/O Berlin ist das in dem Buch Danny Lyon: »Pictures From The New World« aus dem Jahr 1970 zu spüren. Für mich eines der wichtigsten und intensivsten Fotobücher überhaupt. Es war maßgeblich an meiner fotografischen Entwicklung beteiligt. Sehr gut trifft das folgende Zitat auf Lyons Arbeit zu, insbesondere wenn man das Buch zu Grunde legt.

»Meine größte Stärke ist meine Empathie mit Menschen, die anders sind als ich … Mir ging es um die Fotografie und um Bücher … Ich bin ausgestiegen, ohne je zurückzublicken. Ich habe diese Dinge als Themen betrachtet und mich selbst als Journalisten … Die Fotografie ist eine einsame Reise – das hat Robert Frank gesagt – man muss wirklich sich selbst sein, weil man versucht, sich mit der Wirklichkeit auseinanderzusetzen. Ich hab mir das Leben sehr schwer gemacht, um etwas zu schaffen … Manchmal frage ich mich, ob ich die Vergangenheit festhalte oder ob ich hier der Zukunft begegne. [Danny Lyon]

Im strengsten Sinne sind alle Bewusstseinsinhalte unnennbar. Selbst die einfachste Wahrnehmung ist in ihrer Totalität unbeschreibbar. Jedes Kunstwerk muss daher nicht nur als etwas Dargestelltes verstanden werden, sondern gleichzeitig als ein Versuch, das Unsagbare auszudrücken. In den größten Kunstwerken schwingt stets etwas mit, das sich nicht in Worte fassen lässt, etwas von dem Widerspruch zwischen dem Ausdruck und der Gegenwart des Unausdrückbaren. Stilmittel sind immer auch Methoden der Vermeidung. Das wirksamste Element im Kunstwerk ist nicht selten das Schweigen. [Susan Sontag, in »Against Interpretation«]

Die umfangreiche Retrospektive bei C/O ist mit rund 175 Photographien anhand seiner sozialen Projekte strukturiert. Sie beginnt mit Lyons frühsten Fotografien, die im Rahmen der US-amerikanischen Bürgerrechtsbewegung der 1960er-Jahre entstanden sind. 1963 wendet sich Danny Lyon der Subkultur der Biker und ihrem gesellschaftlichen Image zwischen gefürchteter Kompromisslosigkeit und romantisiertem Freiheitsdrang zu. Vier Jahre lang begleitet er die Biker-Gang als Mitglied. 1966 zieht er zurück in seine Heimatstadt New York und hält fest, wie die Architekturgeschichte des 19. Jahrhunderts unter den Abrissbirnen verschwindet.

Im nächsten Projekt geht es um das Leben der Insassen, um ihren Alltag in den Gefängnissen und um die Härte des amerikanischen Strafvollzugs. Lyon erhält 1967 Zugang zu allen Gefängnissen des Bundesstaates Texas. Seine Begegnungen mit den Häftlingen, die er auch filmisch dokumentiert, zeugen von aufrichtigem Interesse für ihre persönlichen Geschichten.

1970 findet Lyon in der Kleinstadt Bernalillo in New Mexico ein neues Zuhause. Er freundet sich mit den Arbeitern aus seiner Nachbarschaft an, mit Latinos und amerikanischen Ureinwohnern, mit kleinkriminellen Jugendlichen oder mit illegalen Arbeitern aus der Umgebung, deren Erfahrung im Überqueren der mexikanisch-amerikanischen Grenze er aufzeichnet. Sein nahes Umfeld wie auch seine Familie geraten zunehmend ins Blickfeld seiner Kamera. Weitere Arbeiten entstehen in Kolumbien, Bolivien, Haiti und China. Die Ausstellung, die bereits zu Ende gegangen ist, zeigte auch Collagen und Materialien aus Danny Lyons privatem Archiv.